Artup TV

Jockum Nordstrom

Sat, 11 May 2013 00:00:00 GMT

Forer. Creuser un puits artésien. Atteindre à l'infra couche. En faire sortir des figures. Et puis attendre. Attendre que quelque chose se manifeste. Qu'une voix, qu'un son, qu'une mélodie, qu'un poème, vienne donner aux figures épars, qui gisent alors sur le sol, l'envie de composer un tout, c'est-à-dire une toile. Voilà la discipline, ou plutôt, le régime créatif auquel obéit l'univers visuel de Jockum Nordström.

Patrice Delory

Mon, 22 Apr 2013 00:00:00 GMT

A tous ceux pour qui l'art se confond avec une aimable distraction – qui tantôt s'illumine d'un sourire critique, tantôt d'une exclamation un peu béate (« oh, que c'est beau ! »), la recherche de Patrice Delory répond : non, l'art n'est pas seulement un divertissement, mais, tout à l'inverse, une pratique spirituelle, une règle de vie, une technique de méditation. En effet, dès l'instant que l'art devient le mode d'expression d'un être qui souffre et qui, ne sachant comment se déprendre de lui-même, accepte de faire de sa pratique le point de départ d'une reformulation de tout son être, l'art devient une pratique qui engage l'être en sa totalité, et avec cette totalité, son sérieux le plus profond.

Deçan

Mon, 15 Apr 2013 00:00:00 GMT

Tantôt plaie saignante et blanche désignant la présence d'un combat récent, tantôt trace cicatrisée d'une épreuve déjà passée, la ligne, dans l'œuvre de Deçan, n'est pas seulement le signe de la lumière, de l'abondance, de l'excès, mais elle est aussi le symbole, l'indice, l'incarnation plastique d'un point, au cœur de l'être, qui en marque la limite, et aussi, le point d'ouverture. Et c'est vers ce point, cette limite, cet excès, que s'efforce, sans cesse, le peintre; c'est vers lui que son expérience spirituelle (sa pratique méditative de la peinture) s'abouche.

Voluspa Jarpa

Mon, 01 Apr 2013 00:00:00 GMT

Une nuée de démons s’échappent de la bouche d’une folle ; quelques autres lui sortent par l’oreille ou par le sommet du crâne : voilà comment les artistes de la renaissance avaient pris l’habitude de représenter les scènes d’exorcisme et de délivrance. Détail souvent délaissé par les historiens d’art, plus intéressés par les poses extatiques des corps, que par les signes de leur rédemption - il aura fallu attendre l’invention de l’hystérie par Charcot et, plus largement encore, celle de la psychanalyse, pour qu’une artiste – Voluspa Jarpa - retrouve cet élément iconographique (la nuée démoniaque) et lui redonne enfin sa portée critique et morale.

Jérôme Delépine

Mon, 01 Apr 2013 00:00:00 GMT

Les peintures de Jérome Delépine ont ceci de particulier qu'elles ne désirent pas susciter en nous un discours (une pensée critique, une réflexion, une métaphore) mais, tout au contraire, un silence. C'est pourquoi, le critique que je suis ne peut aborder cette oeuvre que dans l'angoisse du mot manquant – et plus profondément peut-être, dans l'attente d'une extase muette qui seule pourrait donner un contenu authentique à ce qui, par essence, relève de l'ineffable.

Espira

Sun, 10 Mar 2013 00:00:00 GMT

A l’instar des images inventées par le psychiatre Rorschach, les œuvres d’Espira sont de véritables tests pour celui qui les contemple. Peuplées de femmes aux corps de nymphes et d’oiseaux aux ailes de viandes, le souffle de la guerre, du sexe et de la violence y plane sans pour autant remettre en cause la beauté plastique des formes qui les composent. Voilà pourquoi ces œuvres peuvent êtres comparées – dans leurs structures – à ce que Nietzsche dit de la tragédie Grecque : elles donnent à voir, sous la forme d’un rêve apollinien, le fond tourmenté de nos pulsions dionysiaques.

Edward Hopper

Sat, 02 Mar 2013 00:00:00 GMT

Si la qualité d’un artiste se mesure au degré de maîtrise avec lequel il fait usage de son art, il est incontestable qu’Edward Hopper fut un des artistes les plus doué de son temps. Dessinateur, graveur, illustrateur et aquarelliste, son œuvre graphique peut être comparée, dans sa virtuosité, à celle d’un Daumier, d’un Mucha ou d’un Toulouse-Lautrec. Mais par-delà ces qualités plastiques qui auraient suffi, déjà, à faire de Hopper un peintre de renom (comme peut l’être Sargent par exemple), il faut encore ajouter ceci : son sens incomparable de la lumière et de la composition. Car c’est seulement dans ses grandes toiles qu’éclate son génie figural – son sens aigue de la mise-en-scène et de la narration.

Nicolas Galtier

Mon, 11 Feb 2013 00:00:00 GMT

S'il est vrai que l'oeuvre de Nicolas Galtier relève, en apparence, d'un style de peinture que l'histoire de l'art appelle le « pattern painting », c'est-à-dire, d'une peinture se concentrant sur le motif, les textures et les effets de lumière – et non sur le figure – il serait faux, en revanche, de voir en elle une simple peinture décorative. Car le motif, pour cet artiste, ne coïncide pas seulement avec une recherche d'équilibre et d'harmonie, mais se double, aussi, d'une ambition visant à faire de cette quête purement esthétique le point de départ d'une nouvelle approche de la vision et de l’énergie qui est contenue en elle : « Dans chacune de mes peintures » écrit Nicolas Galtier, « je voudrais réussir à traduire la présence du sacré et, dans un même mouvement, rendre sensible que le sacré est un simple niveau d'apparition, une attitude de l'Esprit envers les images qu'il crée. » C'est en direction d'une telle attitude de l'Esprit que nous nous proposons, maintenant, de méditer.

Julien Spianti

Sun, 10 Feb 2013 00:00:00 GMT

Alors que la peinture moderne, depuis Bacon au moins, a fait de la destruction du visage et du corps une sorte de leitmotiv figural, l’œuvre de Julien Spianti, telle un contre point musical, ajoute à cette figuration pathétique des corps, son corrélat spatial : et si le lieu, à l’instar de ce qu’il fut dans l’esthétique médiévale, redevenait ce locus translativus dont parle Albert Le grand ; autrement dit, ce lieu-figure grâce auquel la complexité d’un état d’âme accède au monde de la visibilité pure ?

Paul Rebeyrolle

Tue, 15 Jan 2013 00:00:00 GMT

Ne pas peindre seulement ce que l'oeil voit, mais ce que le corps touche, ce que la langue goûte, ce que l'odorat sent. Autrement dit : ne pas peindre pour représenter quelque chose, mais pour réussir à faire passer le fond dans la forme et peut-être plus encore, la force et le souffle dans les couleurs et les fragments de matière qui composent une toile. Voilà ce qu'aura tenté de faire, avec une sincérité foudroyante, l'inoubliable Paul Rebeyrolle. Puisse son oeuvre trouver, enfin, la reconnaissance qui lui revient de droit.